English

The uncovered plan

By Alice Laguarda

Matthieu Martin’s work focuses on the organization and hierarchization of space (institutional, public, urban) to interfere with their logics of standardization and control. Against the imposed borders, the restrained mobility (for instance, the suppression of street furniture elements for safety reasons), the artist proposes forms of transportation, which are at the same time physical, mental and symbolical. Refresh the Revolution (2012) is about repainting in its original color ‑the emblematic whiteness of architectural modernism- a deserted building of Moise Reicher; the Constructivist Garden current project plans to move the vegetation that covers the roof of a factory built by Erich Mendelson to make an urban park out of it. The series Povera Mobility (2014–2015) turns rip-rap blocks used to delimitate and prohibit flows into sculptures on wheels. Matthieu Martin plays with in-betweens, temporal and territorial short circuits. These ones lead to a critical reading of the relations of the individual to his environment, of the signs and systems that build it, creating a disappearance, a displacement or a wandering where a fixed order or a planned mobility would like to stand.

In Principe de Précaution, pen and felt-tip marker drawings drafted after photos of institutional places taken by the artist (museums and galleries in Russia, France, Germany, United States…) show the museum measures that aim to protect the artworks and control the visitors’ behaviors. The whole work bring two series together, the one produced on A4 formats and the other on big formats made of several sheets, between which an emptiness is visible. The name of the place and the visit date are written on each drawing. But this objectivity is impeded by Matthieu Martin who isolates inside the drawings the elements materializing the distance between the audience and the exhibited works (security cordon, barriers, floor markings…) The works are not represented, their titles are not indicated. Through this absence, the exhibition spaces seem abstract, structured by lines and empty surfaces, which accentuate the tension between limit and crossing, visible and invisible. The documenting function of the photos is erased in the drawings and a new hierarchy of sense comes out.

Through his committed stance, Matthieu Martin takes place within a history of conceptual art where drawing stands for a tool, symbolizing a mental and subjective cartography as well as spatial displacements (Stanley Brouwn), and questioning what defines a space and what delimitates the look in order to send the spectator back to his own perception (Measurements series of Mel Bochner, 1968–69). We are drawn to think, with the installation entitled Do It Yourself: Freedom Territory of Antonio Dias (1968) symbolizing through a grid pattern a shut and abstract space, that it may have to be contested, transformed.

Inside the drawings, the focus on the measures to protect the artworks creates a new spatiality uncovering a spacing, a distance, which is both institutional and immaterial. The tension between absence and presence of artworks plays on what is seen and what is perceived. It is also a way to give a visibility to the frustration of the viewer who cannot reach, touch the works, nor see them closely. He is like trapped in an in-between: between the “precautionary principle (1)” and the possibility of an accident, of a deterioration of the artworks, which is underlined by the composition of the drawings. In fact, the viewpoints are sometimes off-centered, inviting to “step off the picture (2)”. The drawings show the systematism, the generic dimension of security measures, making them absurd or enigmatic by isolating them, and in the same time they reveal another space, suggesting an escape, a potential freedom. Here we may think of Francis Alÿs: in Railings (2004), the artist rubs while walking a drumstick on London buildings iron railings. He makes visible a border in the urban space, materializing a wish for security, a delimitation between public and private spaces, and in the same time he makes it disappear. The drumstick reaches a new status by becoming the instrument of an action that evokes musical and sound experimentations. The railings are laden with a projective, open dimension, eluding their protective and separative function. Matthieu Martin appears to have a similar intention with his drawings. If the protection measures reduce the experience with the artworks, by imposing conducts and forbidding gestures, the drawings, through their composition principles, offer the look a new time and space, open and indistinct.

In Principle de Précaution, the critic of authoritarian and disciplinary signs, which exhibition spaces are significant territories, also questions the value of artworks and what defines them. According to their economic and symbolic value, the protection measures will be, as a matter of fact, more consequent. In the drawings, the artwork itself ironically becomes a missing image, while remaining non-artistic elements preserve its integrity. It fades before what isolates, standardizes and artificializes it. Matthieu Martin disturbs an established order, a preventive form of thought. With the drawing, the look circulates and divides up, creating a break-up with the unity, the original full space. It is about destabilizing a spatial and symbolical organization form, which is authoritarian, fetichizing or sacralizing, through lack and displacements. As Benoit Goetz wrote regarding Jacques Derrida’s thought about architecture: “Sense the limit means to shake it, fold it, complicate it”. Thus, the way the artist appropriates through the drawing this language of prohibition (bringing into play a relation to the territory, to value and perception) underlines also the idea that architecture ‑as a tool which organizes the relations between individuals, between beings and things- is not only a closed, totalizing and useful form, but it should also and especially be thought and evaluated according to the thresholds and aporias which are part of it.

(1) Integrated in the Maastricht Treaty of 1992, the precautionary principle establishes that even without scientific certainties, measures, which aim to prevent a risk regarding environment and health, should be taken.

(2) Matthieu Martin, Winter Palace, ALB gallery, Paris, http://pointcontemporain.com, 13th September 2015.

(3) Benoît Goetz, « Derrida. De architectura », in Derrida et la question de l’art. Déconstructions de l’esthétique (sous la direction de Adnen Jdey), Nantes, published by Cécile Defaut, 2011, p.444.

Alice Laguarda studied architecture (graduate architect, ENSA of Normandy) and philosophy (MAS, University of Paris X‑Nanterre). Since the late nineties, she works as a journalist and a critic, and she published numerous texts in catalogues and collective works (Autrement ed, Jean-Michel Place ed., Les Presses du Réel ed…) as well as in review (art press, L’Architecture d’Aujourd’hui, Traffic…). She teaches esthetics at the High School of Arts and Technology of Caen/ Cherbourg and is the author of a work entitled Des films et des maisons. La périlleuse trajectoire de l’homme vers son humanité, published by Rouge Profond (coll. “Raccords”, 2016).

French

Le dispositif mis à nu

Par Alice Laguarda

Matthieu Martin s’intéresse à certains modes d’organisation et de hiérarchisation de l’espace (institutionnel, public, urbain) pour en déranger les logiques d’uniformisation et de contrôle. Aux frontières imposées, aux mobilités contraintes (par exemple la suppression d’éléments de mobilier urbain pour raisons sécuritaires), l’artiste oppose des formes de déplacement à la fois physiques, mentales et symboliques. Refresh the Revolution (2012) consiste ainsi à repeindre dans sa couleur d’origine — la blancheur emblématique du modernisme architectural — un bâtiment abandonné de Moïse Reicher ; le projet Constructivist Garden (en cours) propose de déplacer la végétation qui a colonisé le toit d’une usine construite par Erich Mendelsohn pour en faire un parc urbain. La série Povera Mobility (2014–15), encore, transforme en sculptures posées sur roues des blocs d’enrochement utilisés notamment pour délimiter et interdire certaines circulations. Matthieu Martin joue sur des entre-deux, des courts-circuits temporels et territoriaux. Ceux-ci ouvrent à une lecture critique des relations de l’individu à son environnement, aux signes et aux dispositifs qui le structurent, créant une disparition, un déplacement, une errance là où voudraient s’imposer un ordre figé ou une mobilité planifiée.

Dans Principe de précaution, des dessins au stylo et marqueur élaborés d’après des photographies de lieux institutionnels prises par l’artiste (musées et galeries en Russie, France, Allemagne, aux États-Unis…) montrent les dispositifs muséaux qui visent à protéger les œuvres et à contrôler les comportements des visiteurs. L’ensemble regroupe deux séries, l’une réalisée sur des formats A4 et l’autre qui s’organise en grands formats composés de plusieurs feuilles entre lesquelles un vide reste apparent. Le nom du lieu et la date de la visite sont inscrits sur chaque dessin. Mais cette objectivité est contrariée par le geste de Matthieu Martin qui consiste à isoler dans les dessins les éléments qui matérialisent la distance entre le public et les œuvres exposées (cordons de sécurité, barrières, marquages au sol…). Les œuvres ne sont pas représentées, leurs titres ne sont pas indiqués. Par cette absence, les espaces d’exposition paraissent abstraits, structurés par des lignes et des surfaces vides qui accentuent la tension entre limite et franchissement, visible et invisible. La fonction de documentation des photographies est gommée dans les dessins, une nouvelle hiérarchie de sens apparaît.

Par ce parti-pris, Matthieu Martin s’inscrit dans une histoire de l’art conceptuel où le dessin fait office d’outil pouvant à la fois figurer une cartographie mentale, subjective, et des trajets dans l’espace (Stanley Brouwn), questionnant ce qui définit un espace et ce qui délimite le regard pour renvoyer le spectateur à sa propre perception (série Measurements de Mel Bochner, 1968–69). On peut penser, encore, à l’installation Do It Yourself : Freedom Territory d’Antonio Dias (1968) qui figure par un quadrillage au sol un espace clos, abstrait, qu’il s’agit peut-être de contester, de transformer.

L’accent mis dans les dessins sur les dispositifs de protection des œuvres crée une nouvelle spatialité : un espacement, une distance à la fois institutionnelle et immatérielle se font jour. La tension entre absence et présence des œuvres ouvre à un jeu sur le voir et le percevoir. C’est aussi une manière d’accorder une visibilité à la frustration du regardeur qui ne peut pas atteindre, toucher les œuvres, ni les voir de près. Celui-ci est comme piégé dans un entre-deux : entre le « principe de précaution (1) » et la possibilité d’un accident, d’une détérioration des œuvres, ce qu’appuient les cadrages des dessins. Les points de vue sont en effet parfois décentrés, invitant à « s’évader de l’image (2) ». Les dessins font apparaître le systématisme, la dimension générique des dispositifs sécuritaires, les rendant absurdes ou énigmatiques en les isolant, et dans le même temps ils révèlent un espace autre, suggérant une évasion, une liberté potentielle. On pourrait ici penser à certains gestes effectués par Francis Alÿs. Dans Railings par exemple (2004), l’artiste frotte en marchant une baguette de percussions sur les grilles de fer installées devant les bâtiments londoniens. Il rend visible une frontière dans l’espace urbain, matérialisant un désir de sécurité, une délimitation entre espaces public et privé, et dans le même temps il la fait disparaître. Celle-ci gagne un autre statut en devenant l’instrument d’une action qui évoque certaines expérimentations musicales et sonores. Les grilles se trouvent chargées d’une dimension projective, ouverte, échappant à leurs fonctions de protection et de séparation. C’est une intention similaire qui apparaît dans les dessins de Matthieu Martin. Si les dispositifs de protection réduisent l’expérience avec les œuvres, imposant des conduites, interdisant certains gestes, les dessins, par leurs principes de composition, offrent un nouvel espace-temps au regard, ouvert et indécis.

Dans Principe de précaution, la critique des signes autoritaires et disciplinaires dont les lieux d’exposition sont des territoires signifiants met également en question la valeur des œuvres et ce qui les définit. Selon leur valeur économique et symbolique, le dispositif de protection sera évidemment plus conséquent. Dans les dessins, l’œuvre elle-même devient ironiquement une image manquante, tandis que subsistent les éléments non artistiques qui en préservent l’intégrité. Elle s’efface devant ce qui l’isole, la standardise et l’artificialise. Matthieu Martin perturbe un ordre institué, une forme de pensée préventive. Par le dessin, le regard circule et se fragmente, créant une rupture avec l’unité, l’espace plein d’origine. Il s’agit de déstabiliser une forme d’agencement spatial et symbolique autoritaire, fétichisante ou sacralisante, par des manques et des déplacements. Comme l’écrit Benoît Goetz à propos de la pensée de l’architecture de Jacques Derrida : « Remarquer la limite, c’est déjà la faire trembler, la plisser, la compliquer (3) ». Ainsi, la manière dont l’artiste s’approprie par le dessin ce langage de l’interdiction (mettant en jeu un rapport au territoire, à la valeur et à la perception) fait aussi apparaître l’idée que l’architecture — en tant qu’instrument qui organise les relations entre les individus, entre les êtres et les choses — n’est pas qu’une forme fermée, totalisante et utilitaire, mais qu’elle doit aussi et surtout être pensée, évaluée en fonction des seuils et des apories qui la constituent.

(1) Intégré dans le Traité de Maastricht en 1992, le principe de précaution établit que même en l’absence de certitudes scientifiques, des mesures doivent être adoptées qui visent à prévenir un risque en matière d’environnement ou de santé.

(2) Matthieu Martin, Winter Palace, galerie ALB, Paris, http://pointcontemporain.com, 13 septembre 2015.

(3) Benoît Goetz, « Derrida. De architectura », in Derrida et la question de l’art. Déconstructions de l’esthétique (sous la direction de Adnen Jdey), Nantes, éditions Cécile Defaut, 2011, p.444

Alice Laguarda a suivi une formation en architecture (architecte DPLG, ENSA de Normandie) et philosophie (DEA, Université Paris-X-Nanterre). Depuis la fin des années 1990, elle mène des activités de journaliste et de critique et a publié de très nombreux textes dans des catalogues et ouvrages collectifs (éditions Autrement, Jean-Michel Place, Les Presses du réel…) et des revues (art press, L’Architecture d’Aujourd’hui, Trafic…). Professeur d’esthétique à l’Esam Caen/Cherbourg, elle est l’auteur d’un ouvrage intitulé Des films et des maisons. La périlleuse trajectoire de l’homme vers son humanité, paru aux éditions Rouge profond (coll. “Raccords”, 2016).